Por Juan José
Campos Loredo
@JuanJoséCampos
Leer el texto de “Otelo”
de William Shakespeare siempre me ha sido un deleite. Los personajes base, como
la siempre deseable Desdémona, que en su aparente inocencia la hace apetecible
a cualquier depredador y por ello, ni como negar el celo brutal que despierta
en el moro portentoso pero estúpidamente influenciable (como cualquiera de
nosotros podemos ser estúpidos de esclavizarnos de nuestros más brutales deseos)
que es Otelo y más, con la insidia, la gozosa perfidia del truculento y fascinante
Yago, el antagonista/protagonista por excelencia de los tejes y manejes de las
pasiones humanas. Soberbio personaje y por ello, siempre complicado.
En esas estaba el
sábado 17 de octubre, con la total disposición para ver un descifrado más a
este texto, pero en su versión operística, uno que si bien para los neófitos, puede
ser empalagoso, un verdadero dramón, esta composición del buen Giuseppe Verdi,
es un agasajo propio de su época y que nos remarca que el romanticismo nunca,
cuando está bien hecho, podrá desgastarse y desgastarnos. Todos tenemos algo de
apasionados destructores. Y así, me dispuse a ver la segunda de la Temporada
2015-2016, dentro de los ya conocidos Sábados de Ópera en Vivo desde el MET de
Nueva York en el Centro Cultural Universitario Bicentenario de la UASLP, en
esta ocasión con “OTELO” (Otello), ese drama lírico en cuatro actos,
composición de Giuseppe Verdi, bajo el libreto de Arrigo Boito, según “The
Tragedy of Othello, the Moor of Venice”, estrenada en la Escala de Milán el 5
de febrero de 1887.
¿Qué decir de este
montaje? Me dejó sentado. Sumido en la butaca sin movimiento. Sin parpadear. Abriendo
mis oídos más y más ante tan vibrante puesta en escena. ¿Espectacular? ¿Intensa?
¿Vibrante? Para mí, eso y más: una verdadera delicia. Con la historia situada
originalmente en la isla de Chipre del siglo XV, ésta, como “representación
periférica del poder europeo, siempre en constante amenaza de un adversario
hostil, el Imperio Turco”, reza el programa de mano, se avientan aquí a “actualizarla”
al situarla en el siglo XIX, según versión de su director escénico Bartlett
Sher, en un castillo de cristal en constante movimiento, donde la frialdad
aparente de esta impresionante escenografía compuesta por enormes módulos de
cristal, van generando los espacios en sus emplazamientos, envolviendo las
escenas en una atmosfera que por un lado muestra la fragilidad y por otro, esa
enorme vulnerabilidad en la que las pasiones humanas pueden colocarnos. Suena a
cliché barato. Pero funciona la cosa. Se ve bonita, ayuda y da cierta agilidad
al montaje.
Inspirada como bien
sabemos en el texto del genio inglés W. Shakespeare, está ópera –que llega en
el momento en que se cuenta que la del simpático Rossini gozaba de gran
popularidad-, significó un reto para Verdi y Boito, quienes se dice, se vieron
fascinados por la figura antagónica, Yago (¡¿Quién no?!), el alférez del
comandante de la flota veneciana, gobernador y lugarteniente de Venecia en
Chipre, el moro Otelo, razón por la cual estuvieron tentados a llamarle a esta
ópera bajo el nombre de “Yago”. Pero bueno, también temerosos de que ello fuera
a verse como una mala estrategia donde se pudiera pensar que les daba temor la
joya de Rossini y que desde ahí, si sus propios creadores no le daban el voto
de confianza, pues que podría pensar el mismo público: “Si la han nombrado
distinta, seguramente es que sea una mala obra”, pudiéramos pensar era lo que
pasaba por la mente de los dos autores de esta nueva composición. ¿Ponerle otro
nombre para ocultar un posible fracaso? No estaba de más prevenir que lamentar
y así, Rossini parecía dormir tranquilo con su exclusivo al momento, Moro al
ladito.
Pero no. Dándose
finalmente un voto de confianza, Verdi y Boito, ya definido el proyecto que
Verdi arrancara desde 8 años antes, en 1879, decidieron enfrentar el riesgo y
la llamaron con el nombre original que indicaba la obviedad, esto es “Otelo”, dispuestos
a afrontar las probables comparaciones. ¿Y qué pasó? Mucho. Para su
satisfacción, esta nueva versión de “Otelo”, gozó de inmediato de enorme
popularidad, desechando los temores del compositor y del libretista, destacando
por sus propios méritos y convirtiéndose en una de las piezas operísticas,
donde los interpretes de los roles protagónicos son exigidos, al máximo debido
a la compleja y variada cantidad de matices dentro de la composición en
general. Un punto más para el prolífico genio italiano.
Llegado a esto, anonadado,
gozando lo transmitido desde el MET en el CC200, un gran Otelo, interpretado
magistralmente por el tenor Aleksandrs Antonenko, quien marca un hito al asumir este personaje, con su piel, "como va", sin el característico color "negro" que históricamente ha "exigido" el personaje desde hace 124 años, sino al natural, el cual se planta con todo, y en ello, no
pierde un ápice de aplomo y coraje para dejar ver un muy matizado y elaborado "moro" de Venecia, llevando al espectador a niveles de emotividad verdaderamente
gozosos. Churriguresca la emoción pero, vamos, ya entregados, dejemos que la víscera
reine en este espectáculo.
¿Y Yago? Vaya que
interpretaciones como esta, nos hacen pensar que haberle puesto así, el título
de este infame instigador, le hubiera hecho justicia, ya que desde un
principio, desde que se le ve en escena, impresiona la fuerza que el barítono
Zeljko Lucic- quien toma las riendas de un muy particular Yago- le imprime a su interpretación, diseccionando
nota a nota, gesto a gesto, a este maquiavélico personaje que con mucho posiblemente
superaría la imaginería, que seguramente el propio Shakespeare tuvo de él. Excelente
y bizarro el tipo, sin más alharaca y dejando fluir lo más canallesco del ser
humano en él ejemplificado.
La soprano Sonya
Yoncheva, guapa, hermosa y con una presencia que mueve ángeles y hormonas, lleva el papel de Desdémona por esa parajes
donde la sutileza no tiene límites; donde la inocencia toma grados paradisíacos y que atrapa y envuelve no solo con su presencia, sino con la vital y
conmovedora interpretación de esta mujer a la cual la insidia e ignominia
infringida por Yago, colocarán en la muerte misma por mano de su propio amante
y esposo, como bien marca la trama del bardo inglés.
Bajo la batuta del
joven director de orquesta Yannick Nézet- Séguin, está majestuosa producción de
Sir David Mc Vicar, alcanza momentos tan bien logrados, que uno no puede evitar
seguir paso a paso todas y cada una de las notas que se van estructurando
dentro de este verdadero arsenal de emotividad lírica en que se va construyendo
esta tragedia, insisto, y hago énfasis: majestuosa y fenomenal.
Quizá andaba
emotivo ese día. Pero es rico y gozoso tener catarsis con estas manifestaciones
que elevan a niveles sabrosos e inolvidables. Final apoteótico, finamente
llevado como se mantuvo toda la obra, tejiendo a plenitud una ópera, que, quizá
para unos exageró la nota, para otros -o para mí- fue una gloria disfrutarla.
Sin duda, una de
las presentaciones cumbre de este naciente recorrido por la temporada 2015-
2016 de la Ópera en Vivo desde el MET de Nueva York, en el Centro Cultural
Universitario Bicentenario (CC200).
Próxima proyección:
Tannhäuser /
Wagner
31 de octubre / 10:00 horas.
Duración aproximada 4:31 horas.
Compositor: Richard Wagner.
Libretista: Richard Wagner.
Director de orquesta: James Levine.
Cantada en alemán.
31 de octubre / 10:00 horas.
Duración aproximada 4:31 horas.
Compositor: Richard Wagner.
Libretista: Richard Wagner.
Director de orquesta: James Levine.
Cantada en alemán.
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